In Recital: Christophe Alvarez (05.10.2024) | Giới thiệu tác phẩm
02/10/2024
In Recital: Gernot Winischhofer and Special Guests | Giới thiệu tác phẩm
18/10/2024
GIỚI THIỆU TÁC PHẨM
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
3 Klavierstücke, D. 946 No. 2 in E-Flat Major (1828)
(Ba khúc cho piano, D. 946 Số 2 giọng Mi giáng trưởng)
Piano: Nhi Huỳnh
Ba khúc cho piano, D. 946 của Franz Schubert được sáng tác vào năm 1828, chỉ vài tháng trước khi ông qua đời khi còn rất trẻ. Ba tác phẩm piano này, không được xuất bản trong thời ông còn sống và sau đó được Johannes Brahms biên tập vào năm 1868, đại diện cho một số sáng tác phức tạp và mạo hiểm nhất của Schubert cho piano. Khúc thứ hai trong bộ tác phẩm, ở giọng Mi giáng trưởng, thể hiện sự tinh thông của Schubert trong việc chuyển đổi tâm trạng và kết cấu, kết hợp một cách dễ dàng giữa vẻ đẹp trữ tình và những khoảnh khắc hỗn loạn đáng kinh ngạc.
Phần mở đầu của khúc piano thứ hai này tựa như bài hát ru, gợi lên bầu không khí tinh tế và thanh bình với giai điệu nhẹ nhàng, tuôn chảy. Tuy nhiên, sự đơn giản này lại che giấu chiều sâu cảm xúc âm thầm xen kẽ qua tác phẩm, một cảm giác khao khát yên lặng bên dưới bề mặt bình tĩnh. Nhịp điệu gợn sóng và những thay đổi tinh tế trong hòa âm tạo ra một bầu không khí mơ mộng, gợi nhớ đến một khúc nhạc chèo thuyền, nhẹ nhàng lắc lư với một cảm giác buồn bã đặc trưng của Schubert.
Tuy nhiên, như trong nhiều tác phẩm của Schubert, sự yên bình này nhanh chóng bị phá vỡ bởi những đoạn tương phản. Đoạn đầu tiên, được đánh dấu bằng những thay đổi đột ngột về hòa âm và những âm nhấn đảo phách, bộc lộ giọng điệu bí ẩn và kích động, kéo người nghe vào một khung cảnh cảm xúc đen tối và phức tạp hơn. Đoạn thứ hai, ở giọng La giáng thứ, tiếp tục sự thay đổi tâm trạng này, mặc dù với một giai điệu ám ảnh và rộng lớn, cho thấy tài năng của Schubert trong việc tạo ra vẻ đẹp mê đắm ngay cả trong nỗi buồn khổ. Sự tương tác tinh tế giữa các giọng trưởng và thứ, điển hình của Schubert, truyền vào tác phẩm một sự pha trộn giữa xót xa và ngọt ngào.
Xuyên suốt tác phẩm, việc sử dụng sáng tạo về kết cấu và nhịp điệu của Schubert khiến người nghe bị treo giữa những khoảnh khắc yên bình và bất ổn về cảm xúc. Các đoạn xen kẽ của hình thức rondeau cho phép chủ đề ban đầu trở lại như một điệp khúc an ủi, nhưng mỗi lần quay trở lại, lại thêm một sự thay đổi tinh tế, như thể bị chạm vào bởi những bi kịch xen vào.
Trong Ba khúc cho piano, đặc biệt là trong khúc thứ hai này, Schubert mang đến một bức họa về thế giới nội tâm của một nhà soạn nhạc ở đỉnh cao sự nghiệp, nhưng lại vô cùng ý thức được sự hữu hạn của bản thân. Âm nhạc đầy hướng nội, chứa đầy cả sự dịu dàng và nỗi buồn, và là minh chứng cho khả năng không thể sánh kè của Schubert trong việc thể hiện sự phức tạp của trái tim con người với sự đơn giản và thanh lịch.
MAURICE RAVEL (1875-1937)
Gaspard de la Nuit (1908)
(Kẻ cai quản bóng đêm)
Piano: Nhi Huỳnh
Kẻ cai quản bóng đêm của Maurice Ravel là một khám phá bậc thầy về sự kỳ ảo, dựa trên ba bài thơ ma quái của Aloysius Bertrand. Được sáng tác vào năm 1908, tổ khúc cho piano độc tấu này là một trong những tác phẩm khó khăn nhất trong nhạc mục của nghệ sĩ piano, nổi tiếng với yêu cầu kỹ thuật đáng sợ và cách kể chuyện sinh động thông qua âm nhạc. Tham vọng của Ravel là "truyền đạt bằng nốt nhạc những gì một tác giả thể hiện bằng lời thơ", và trong tác phẩm này, ông đạt được một sự gợi tả đạt đến tầm hội họa về những cảnh tượng kinh dị, bầu không khí ám ảnh và những nhân vật đáng sợ.
Tổ khúc diễn ra trong ba chương: Ondine (Nàng tiên nước), Le Gibet (Giá treo cổ) và Scarbo (Con quỷ Scarbo), mỗi chương nắm bắt một khía cạnh khác nhau của bóng tối và kỳ ảo. Soạn phẩm phức tạp, đòi hỏi cao của Ravel không chỉ yêu cầu kỹ thuật của nghệ sĩ biểu diễn mà còn cả khả năng gợi lên một loạt cảm xúc và kết cấu rộng lớn với sự tinh tế và chính xác.
Ondine, chương đầu tiên, đưa người nghe vào thế giới quyến rũ, huyền ảo của một nàng tiên nước. Kết cấu lấp lánh, chảy trôi của Ravel phản ánh sức hấp dẫn mê hoặc của Ondine khi cô hát về thế giới dưới nước đầy phép thuật của mình, dụ dỗ người nghe đi theo cô vào sâu thẳm. Thông qua các hợp âm rải nhanh và nghịch âm tinh tế, âm nhạc gợi lên sự lấp lánh của ánh trăng trên mặt nước và vẻ đẹp tinh tế của lời gọi quyến rũ của nàng tiên nước. Tuy nhiên, bên dưới sự quyến rũ này là nguy hiểm tột cùng, bởi thế giới của Ondine là nơi mà con người trần thế không thể, cũng không nên chạm tới.
Trái ngược hoàn toàn, Le Gibet gợi lên một cảnh tượng hoang tàn đáng sợ. Một chiếc chuông đơn độc rung lên không ngừng, âm thanh lạnh lẽo, rỗng tuếch là một lời nhắc nhở lặp lại liên tục về cái chết khi thi thể không hồn của một người bị treo cổ đung đưa trong ánh sáng đỏ rực của mặt trời lặn. Việc sử dụng đơn giản, gần như thôi miên của Ravel đối với một hợp âm Si giáng lặp lại xuyên suốt chương nhạc tạo ra một bầu không khí đè nén, ám ảnh. Âm nhạc dường như đơn giản một cách khó tin, tuy nhiên thách thức nằm ở khả năng của nghệ sĩ piano để duy trì một cảm giác căng thẳng và tĩnh lặng không bị gián đoạn, gợi lên sự cô đơn lạnh lẽo của cảnh tượng ma quái này.
Chương cuối cùng, Scarbo, là một miêu tả điên cuồng, hoang dã về một chú lùn độc ác quấy rối đêm tối bằng sự hiện diện đáng sợ, không thể đoán trước của mình. Tài năng sáng tác của Ravel ở chương nhạc này quả thực là một màn trình diễn ấn tượng về kỹ thuật điêu luyện, tràn đầy nhịp điệu gồ ghề, nghịch âm không ngừng và năng lượng cuồng nhiệt. Bản chất thất thường, gần như phân liệt của Scarbo được phản ánh trong sự thay đổi đột ngột về tâm trạng và tốc độ của âm nhạc, khi hắn lướt vào và ra khỏi bóng tối, để lại cho người nghe cảm giác bất ổn và thở gấp dồn dập. Những thách thức kỹ thuật của chương nhạc - những nốt lặp lại, những bước nhảy nhanh chóng và những nhịp điệu phức tạp - khiến nó trở thành một trong những tác phẩm đòi hỏi cao nhất trong nhạc mục piano.
Kẻ cai quản bóng đêm, Ravel mở ra một cánh cửa vào thế giới của ảo tưởng đen tối và trí tưởng tượng sống động, nơi vẻ đẹp và kinh hoàng cùng tồn tại trong sự hài hòa tinh tế. Tác phẩm là một trong những thành tựu vĩ đại nhất của ông và vẫn luôn là đỉnh cao của kỹ thuật piano.
SHEILA SILVER (b. 1946)
Resilient Earth (2024)
- Big Ag, Small Farmer (Đại nông, tiểu nông)
- Dew Drop (Giọt sương)
(Premier in Vietnam)
Piano: Nhi Huỳnh
Là một ẩn dụ về mối quan hệ của nhân loại với thiên nhiên, tác phẩm Trái Đất kiên cường của Sheila Silver, được sáng tác trong giai đoạn hỗn loạn của đại dịch COVID-19. Bộ tác phẩm này, gồm Bảy Khúc dạo đầu cho piano và Bốn Khúc Ngẫu hứng cho violin độc tấu, phản ánh những suy ngẫm sâu sắc của Silver về khủng hoảng môi trường và sự kính trọng của bà đối với thế giới tự nhiên. Thông qua âm nhạc, bà tìm cách thể hiện sự kiên cường của Trái Đất, một hệ thống sinh học khổng lồ duy trì tất cả sự sống, miễn là loài người cũng quan tâm và chăm sóc ngược lại tự nhiên.
Trái Đất kiên cường vừa là một lời than khóc, vừa là một lời kêu gọi hành động đầy hy vọng. Silver thu hút sự chú ý đến sự tàn phá môi trường - phá rừng, nước bị đầu độc, và sự suy thoái đất do nông nghiệp công nghiệp - đồng thời nhen nhóm hy vọng thông qua các giải pháp sinh thái và sự tôn trọng tự nhiên. Sự liên kết của tất cả các sinh vật sống là một chủ đề trung tâm, mạch đập qua từng cung bậc, tạo nên một bức bích họa bằng âm nhạc phản ánh cả vẻ đẹp và sự mong manh của hành tinh chúng ta.
Đại nông, Tiểu nông, một trong những khúc dạo đầu, khám phá sự căng thẳng giữa nông nghiệp công nghiệp và người nông dân bé nhỏ. Âm nhạc tương phản giữa những hợp âm rộng lớn, nặng nề với những giai điệu tinh tế, phức tạp, có thể đại diện cho cuộc đấu tranh giữa các thế lực tàn phá, cơ giới hóa của "Đại nông" và sự chăm sóc, hài hòa của các phương thức canh tác truyền thống, hướng đến đất mẹ. Đó là một bình luận sâu sắc về sự mất cân bằng quyền lực và khai thác đất đai, nhưng âm nhạc vẫn lóe lên một tia sáng của sự kiên cường - sự bền bỉ của một nông dân nhỏ chống lại những khó khăn chồng chất.
Ngược lại, Giọt Sương nắm bắt vẻ đẹp và sự mong manh của thiên nhiên trong hình thức đơn giản nhất của nó. Khúc dạo đầu này gợi lên hình ảnh một giọt sương đơn lẻ, lặng yên một cách tinh tế trên một chiếc lá dưới ánh sáng sớm mai. Việc sử dụng kết cấu nhẹ nhàng, lấp lánh và hòa âm trong suốt của Silver tạo ra bầu không khí tĩnh lặng. Âm nhạc mời người nghe dừng lại, suy ngẫm và đánh giá cao những chi tiết phức tạp của thế giới tự nhiên, nhắc nhở chúng ta về sự thiêng liêng của ngay cả những yếu tố nhỏ nhất của cuộc sống.
Thông qua Trái Đất kiên cường, Sheila Silver mang đến một suy ngẫm âm nhạc về cuộc khủng hoảng sinh thái hiện tại, nhưng đó cũng là lời mời tưởng tượng về một tương lai mà nhân loại và thiên nhiên cùng tồn tại hài hòa. Tác phẩm cộng hưởng tinh thần kiên cường và hy vọng bền vững cho một mối quan hệ bền vững hơn, tôn trọng hơn đối với hành tinh của chúng ta.
WILLIAM BOLCOM (b. 1938)
The Garden of Eden, III. The Serpents Kiss (1969)
(Vườn địa đàng, III. Nụ hôn của rắn)
Piano: Nhi Huỳnh
Nụ hôn của rắn là bản ragtime thứ ba trong bốn bản thuộc tác phẩm Vườn Địa Đàng của William Bolcom, một tác phẩm phản ánh sự đam mê sâu sắc của ông với thể loại ragtime. Viết vào năm 1969, tác phẩm này gói gọn khả năng độc đáo của Bolcom trong việc kết hợp ragtime truyền thống với kỹ thuật sáng tác hiện đại, tinh tế hơn. Lấy cảm hứng từ thế giới sôi động của những nhà tiên phong ragtime như Scott Joplin, Bolcom nâng cao hình thức này trở nên phong phú hơn, phức tạp hơn và giàu tính biểu cảm kịch tính hơn.
Nụ hôn của rắn là một "rag fantasia," nơi Bolcom chơi đùa với cấu trúc ragtime truyền thống, biến đổi nó thành một hình thức vừa quen thuộc vừa độc đáo đáng kinh ngạc. Tác phẩm này đáng chú ý với việc sử dụng nhịp điệu đảo phách, sắc độ và sự chuyển đổi tông điệu, tất cả đều là dấu ấn của ragtime cổ điển. Tuy nhiên, cách xử lý của Bolcom ở đây rộng hơn, kết hợp một loạt các động lực, tốc độ và kết cấu mang lại cho tác phẩm chiều sâu kể chuyện. Ragtime, với sự vui tươi, hài hước và sắc bén về nhịp điệu, gợi lên bản chất xảo quyệt và quyến rũ của con rắn trong Kinh Thánh.
Trong tác phẩm này, Bolcom đưa người nghe vào một hành trình, với những chuyển đổi đột ngột về tâm trạng và tốc độ, từ những đoạn trầm lắng và bí ẩn đến những khoảnh khắc sôi động, gõ trống nơi người biểu diễn được yêu cầu gõ vào piano bằng nắm tay. Những yếu tố vui tươi và kịch tính này khiến Nụ hôn của rắn trở thành một bức tranh sống động về cám dỗ và sự sa ngã, thấm đẫm cả sự dí dỏm và một cảm giác diệt vong sắp đến.
Mặc dù bắt nguồn từ ragtime, tác phẩm của Bolcom vượt lên trên thể loại truyền thống, cung cấp một khám phá đa lớp, tinh tế về một câu chuyện vượt thời gian thông qua lăng kính của âm nhạc đặc biệt của Mỹ.
CLAUDE DEBUSSY (1862-1918)
Petite Suite, L 65 (1889)
(Tổ khúc nhỏ, L 65)
Primo: Nhi Huỳnh, Secondo: Phạm Nguyễn Anh Vũ
Tổ khúc nhỏ của Claude Debussy (1889) mở ra một cánh cửa dẫn đến phong cách sáng tác đầu đời của nhà soạn nhạc vĩ đại người Pháp. Ban đầu được viết cho piano bốn tay và sau đó được dàn nhạc hóa bởi Henri Büsser vào năm 1907, tác phẩm duyên dáng này đưa người nghe vào thế giới trữ tình tinh tế và những ấn tượng thoáng qua, nắm bắt được sự nhẹ nhàng và thanh lịch của cuộc sống quý tộc thế kỷ 18. Tổ khúc gồm bốn chương, trong đó hai chương lấy cảm hứng trực tiếp từ thơ của Paul Verlaine, một nhân vật chủ chốt trong việc định hình tầm nhìn nghệ thuật của Debussy.
Chương mở đầu, En bateau (Trên thuyền), được phổ nhạc từ một bài thơ từ tập thơ Fêtes galantes (1869) của Verlaine. Bài thơ gợi tả hình ảnh một chiếc thuyền lướt nhẹ trên mặt nước lúc chạng tối, ẩn ý về bầu không khí lãng mạn nhưng chất chứa cảm giác khao khát và mong muốn không được thỏa mãn ẩn sâu bên trong. Âm nhạc của Debussy cân bằng một cách tinh tế giữa niềm vui và sự nhớ nhung này. Những nhịp điệu nhẹ nhàng lượn sóng và hòa âm rực rỡ vẽ nên chuyển động yên bình của chiếc thuyền, trong khi giai điệu trôi bồng bềnh như một tiếng thở dài nhẹ nhàng, phản ánh sự phức tạp cảm xúc trong thơ ca Verlaine.
Chương thứ hai, Cortège (Diễu hành), là một bức tranh vui tươi về một cảnh khác từ Fêtes galantes, nơi một quý phụ nữ, cùng với con khỉ và cậu bé hầu cận của mình, diễu hành qua một khung cảnh thanh lịch. Những nhịp điệu hóm hỉnh và dàn nhạc sôi động vẽ nên một bức tranh về đoàn diễu hành quý tộc này, đầy sự nghịch ngợm nhẹ nhàng. Âm nhạc của Debussy bắt được cả vẻ duyên dáng bên ngoài của cảnh tượng và những gợi ý về sự phù phiếm ẩn bên dưới.
Trong khi hai chương đầu được gắn trực tiếp với thơ của Verlaine, hai chương cuối, Menuet và Ballet, mở rộng bảng màu chủ đề của tổ khúc. Menuet là chương nhạc thân mật và thanh lịch nhất, đưa người nghe vào thế giới của sự tinh tế. Tại đây, tài năng tạo ra những thay đổi về kết cấu và màu sắc hòa âm của Debussy được thể hiện trọn vẹn, mang đến một khoảnh khắc trầm ngâm yên tĩnh trước phần kết sôi động hơn.
Tổ khúc kết thúc với Ballet, một chương nhạc sôi động và vui tươi đầy sức sống nhịp điệu và năng lượng lấp lánh. Chương nhạc này, chịu ảnh hưởng của âm nhạc của Emmanuel Chabrier, mang đến một sự tương phản thú vị với các phần trước đó, đưa tổ khúc tiến tới kết thúc với một bầu không khí lễ hội, gần như hân hoan.
Ban đầu được sáng tác cho piano bốn tay, Tổ khúc nhỏ là minh chứng cho khả năng họa hình và tâm trạng sống động thông qua âm nhạc của Debussy. Mặc dù có quy mô khiêm tốn, tác phẩm vẫn dự báo nhiều đặc điểm định nghĩa các tác phẩm phức tạp hơn sau này của ông: khám phá màu sắc, bầu không khí và sự tương tác giữa ý cảnh và cảm xúc.
EDVARD GRIEG (1843-1907)
4 Norwegian Dances, Op. 35 (1880)
(Bốn vũ khúc Na Uy, Tập 35)
Primo: Võ Ngọc Diệu Tịnh, Secondo: Nhi Huỳnh
Edvard Grieg, được tôn vinh là nhà soạn nhạc đáng kính nhất của Na Uy, đã để lại dấu ấn không thể xóa nhòa trong bức tranh âm nhạc của cuối thế kỷ 19 với mối liên kết sâu sắc của ông với truyền thống dân gian Na Uy. Bốn vũ khúc Na Uy, Tập 35 của ông là minh chứng cho tình yêu sâu đậm của ông đối với âm nhạc quê hương, kết hợp sự duyên dáng của giai điệu dân gian với sự tinh tế của cấu trúc cổ điển. Được sáng tác vào năm 1881 cho piano bốn tay, những điệu nhảy này sau đó được Hans Sitt dàn nhạc vào năm 1888, mang tinh thần mộc mạc của chúng vào trong phòng hòa nhạc.
Bốn vũ khúc Na Uy, Tập 35 dựa nhiều vào các giai điệu dân gian truyền thống, đặc biệt là những giai điệu được tìm thấy trong bộ sưu tập ‘Những giai điệu núi rừng xưa và nay’ của Ludvig Mathias Lindeman. Sự lấy cảm hứng từ tuyển tập này của Grieg phản ánh sự gắn kết rộng lớn hơn của ông với văn hóa Na Uy, bắt đầu nghiêm túc vào đầu những năm đôi mươi dưới ảnh hưởng của nghệ sĩ violin Ole Bull. Thời kỳ này đánh dấu một bước chuyển quan trọng trong phong cách âm nhạc của Grieg, khi ông bắt đầu truyền vào các tác phẩm của mình sự sống động nhịp điệu và những sắc thái giai điệu của âm nhạc dân gian Na Uy.
Mỗi vũ khúc đều tuân theo một cấu trúc ba phần, xen kẽ giữa các đoạn sôi động và những đoạn trữ tình sâu lắng hơn. Vũ khúc đầu tiên mở ra với một halling phấn khởi, một điệu nhảy dân gian sôi động thường được biểu diễn bởi những chàng trai trẻ trong đám cưới và lễ kỷ niệm. Năng lượng tràn đầy gợi lên sự dẻo dai của các vũ công, trước khi nhường chỗ cho một phần trung tâm yên bình hơn, nhẹ nhàng tương phản với sức sống của phần mở đầu.
Vũ khúc thứ hai, có lẽ là được biết đến nhiều nhất, là một giai điệu duyên dáng và tinh nghịch, gợi lên sự quyến rũ mộc mạc. Sự nhẹ nhàng bị gián đoạn chốc lát bởi một đoạn ngắn, đầy bão tố trước khi giai điệu quen thuộc trở lại, thấm đẫm một cảm giác hoài niệm. Vũ khúc thứ ba, một cuộc diễu hành sôi động, trình bày những tương phản táo bạo về cường độ, với những tiếng cười đùa vui nhộn, thêm một chút hài hước.
Vũ khúc cuối cùng bắt đầu với một tâm thế đáng lo ngại, với phần mở đầu chậm và ủ rũ, sớm nhường chỗ cho một điệu nhảy đồng quê nhộn nhịp. Sự trở lại kịch tính của phần mở đầu tối tăm làm tăng thêm căng thẳng, chỉ để bị cuốn đi bởi phần kết đầy phấn khởi, tràn đầy năng lượng và niềm vui mộc mạc.
Bốn vũ khúc Na Uy của Grieg có thể nói là tiêu biểu cho sự kết hợp hoàn hảo giữa giai điệu được lấy cảm hứng từ dân gian và cấu trúc tinh tế của âm nhạc cổ điển hiện đại.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)
Sonata for Two Pianos in D major, K. 448 (375a) (1781)
(Sonata cho hai piano giọng Rê trưởng K. 448)
Piano 1: Nhi Huỳnh, Piano 2: Phạm Nguyễn Anh Vũ
Bản Sonata cho hai piano giọng Rê trưởng K. 448 (375a) của Mozart là một minh chứng rực rỡ về sự tinh thông của ông đối với cả hình thức và kỹ thuật điêu luyện. Được sáng tác vào năm 1781, tác phẩm này không dành cho em gái Nannerl của ông, người mà ông thường biểu diễn cùng, mà dành cho một trong những học trò của ông, Josepha von Auernhammer. Mặc dù mối quan hệ của họ phức tạp - thư từ riêng tư của Mozart tiết lộ quan điểm không mấy thiện cảm của ông về cô - nhưng âm nhạc của ông lại cho thấy sự tôn trọng chuyên nghiệp đối với tài năng của cô ấy với tư cách một nghệ sĩ piano. Kết quả của sự hợp tác này là một tác phẩm rực rỡ vui tươi, tràn đầy thanh lịch và duyên dáng.
Mở đầu của sonata, Allegro con spirito, bùng nổ với năng lượng của những quãng tám táo bạo, thiết lập bối cảnh cho một chủ đề nhẹ nhàng, bay bổng nhảy múa giữa hai cây piano. Những đoạn đối thoại vui tươi là điển hình của Mozart, tràn đầy sự sống động. Cấu trúc của chương đầu tiên cho phép cả hai nghệ sĩ piano tỏa sáng, luân phiên giữa những khoảnh khắc trong sáng lấp lánh và sự biểu cảm trữ tình phong phú.
Chương thứ hai, Andante, là một cuộc trò chuyện duyên dáng, giống như một bài hát giữa hai cây piano. Giống như opera của Mozart, giai điệu của chương nhạc thân mật và ngọt ngào tựa một aria, mở ra với sự tinh tế trong trẻo. Sự tương tác giữa hai nhạc cụ, đôi khi dịu dàng và đôi khi phức tạp, tạo ra một bầu không khí đẹp thanh bình, làm nổi bật tài năng sáng tạo giai điệu của Mozart.
Chương cuối cùng, Molto allegro, là một rondo đầy phấn khích, tràn đầy sự dí dỏm và tương phản. Chủ đề lặp đi lặp lại nhảy múa với năng lượng, nhịp điệu phi nước đại được tiết chế bởi sự thanh lịch. Một đoạn với nhịp điệu theo phong cách Thổ Nhĩ Kỳ thêm một chút màu sắc kỳ lạ, gợi nhớ đến sự hài hước sôi động của những tác phẩm nổi tiếng hơn của Mozart. Chương nhạc, giống như toàn bộ sonata, chứng minh sự kết hợp không nỗ lực giữa kỹ thuật điêu luyện và duyên dáng của Mozart.
Sonata cho hai piano giọng Rê trưởng là một tác phẩm của niềm vui thuần túy, thể hiện phong cách thanh lịch và kỹ thuật xuất sắc. Tác phẩm đến nay vẫn là một tác phẩm được yêu thích trong kho tàng âm nhạc piano, một ví dụ rực rỡ về tài năng của Mozart ở đỉnh cao sự nghiệp của ông.
Soạn bởi: Bùi Thảo Hương