From Classics to Carols (21.12.2024)
12/12/2024
Trương Hữu Duy
13/12/2024
GIỚI THIỆU TÁC PHẨM
ANTONIO VIVALDI (1678–1741)
Concerto in F minor, Op. 8 No. 4, RV 297 “L’inverno” (Mùa đông) (1718–20)
1. Allegro con molto
2. Largo
3. Allegro
Violin: Hồ Đăng Minh, Piano: Ngô Nguyễn Ngọc Uyên
Bốn mùa của Antonio Vivaldi vẫn luôn là một trong những tác phẩm lừng lẫy nhất của âm nhạc cổ điển, một minh chứng sống động cho tài năng bậc thầy của ông trong thể loại concerto dành cho violin. Được xuất bản năm 1725 như một phần của tuyển tập "Il cimento dell’armonia e dell’inventione" (Cuộc chiến giữa Hòa âm và Sáng tạo), tác phẩm này phô diễn tài năng thiên bẩm của Vivaldi trong việc kết hợp kỹ thuật chính xác với trí tưởng tượng phong phú. Mỗi concerto trong Bốn mùa đều được ghép đôi với một bài sonnet – có khả năng do chính Vivaldi chấp bút – vẽ nên một cách sinh động những khung cảnh được khắc họa trong âm nhạc. Những yếu tố tả cảnh này được lồng ghép khéo léo vào kết cấu âm nhạc, nâng tác phẩm lên khỏi sự phô diễn kỹ thuật đơn thuần, trở thành một câu chuyện đầy sức gợi.
Concerto cuối cùng, L’inverno (Mùa đông), khắc họa vẻ đẹp khắc nghiệt của mùa lạnh giá nhất trong ba chương nhạc đầy ấn tượng. Mở đầu bằng chương Allegro non molto (Nhanh vừa phải), nơi những giai điệu run rẩy và những nốt nhạc chói tai gợi lên cái lạnh của gió băng giá và tuyết rơi. Tiếng violin mô phỏng tiếng răng va lập cập và tiếng chân dậm thình thịch, trong khi nhịp điệu mạnh mẽ của piano gợi lên sức mạnh không ngừng nghỉ của những cơn bão mùa đông. Chương nhạc này, với những sự tương phản đầy kịch tính, không chỉ khắc họa cảm giác về mùa đông mà còn cả sức mạnh tàn khốc của nó.
Chương Largo (Chậm) – một khoảng lặng trữ tình – đưa chúng ta vào trong ngôi nhà ấm áp với ngọn lửa đang bập bùng. Trên nền gảy dây nhẹ nhàng tượng trưng cho những hạt mưa rơi trên khung cửa sổ, tiếng violin ngân lên giai điệu êm đềm, thể hiện niềm vui bình yên khi được trú ẩn giữa cơn bão tố. Ở đây, Vivaldi đạt đến một sự tương phản sâu sắc, cân bằng giữa sự khắc nghiệt bên ngoài của mùa đông với sự ấm áp, hạnh phúc của con người.
Chương Allegro (Nhanh) cuối cùng đưa chúng ta trở lại khung cảnh băng giá ngoài trời, nơi những bước chân thận trọng trên băng nhường chỗ cho những cú trượt chân tinh nghịch và những cú ngã không thể tránh khỏi. Sự thay đổi nhịp điệu và những hình thái âm nhạc nhanh chóng mô phỏng sự hồi hộp và nguy hiểm của sân chơi băng giá mùa đông. Khi concerto kết thúc, những cơn gió gào thét – Sirocco và Boreas – va chạm trong một cơn bão dữ dội, nhưng Vivaldi nhắc nhở chúng ta rằng sự khốc liệt của mùa đông cũng mang đến những niềm vui riêng.
Mùa đông vừa là một kiệt tác trong kỹ thuật trình tấu vừa là một bức tranh gợi tả về những thái cực của mùa đông, từ những cơn gió buốt giá đến ánh sáng ấm áp của lò sưởi. Gần ba thế kỷ sau khi ra đời, tác phẩm vẫn tiếp tục thử thách người biểu diễn và quyến rũ người nghe, một minh chứng vượt thời gian cho tài năng nghệ thuật trường tồn của Vivaldi.
GEORGE GERSHWIN (1898–1937) / arr. ALEXANDER TSFASMAN (1906–71)
Jazz Suite: No. 1, Snowflakes. arr. for 2 Pianos (Hoa tuyết) (1920)
Piano 1: Thạch Thái Đỗ Quyên, Piano 2: Lê Thị Minh Trang
Johann Kaspar Mertz, một trong những nghệ sĩ guitar cách tân nhất của thời kỳ Lãng mạn, nổi bật với những tác phẩm giàu tính biểu cảm và tinh tế, kết hợp nhuần nhuyễn giọng nói thầm kín của cây đàn guitar với khát vọng thơ mộng bao la của âm nhạc thế kỷ 19. Sinh ra tại Pressburg (nay là Bratislava), Mertz đạt đến đỉnh cao nghệ thuật tại Vienna, nơi ông tìm thấy nguồn cảm hứng từ đời sống văn hóa phong phú và tinh thần thơ ca của thời đại. "Âm vang Thi sĩ", Tập 13, một tuyển tập đồ sộ gồm 30 tác phẩm, là minh chứng cho khả năng gợi lên những hình ảnh Lãng mạn sống động, đồng thời vượt qua những giới hạn kỹ thuật và biểu cảm của cây đàn guitar.Trong số đó, Scherzo và Tarantella nổi bật bởi sự tương phản và kỹ thuật điêu luyện.
Scherzo làm say lòng người nghe bởi giai điệu tinh tế mà vẫn đầy nét tinh nghịch. Đúng như tên gọi của nó, có nghĩa là "trò đùa" hay "châm biếm", tác phẩm thấm đẫm nét hài hước và nhịp điệu nhanh. Mertz sử dụng những hợp âm tuôn chảy và những bước chuyển hòa âm bất ngờ, tạo nên cảm giác kỳ quái, gần như ứng tác. Bên dưới lớp vỏ ngoài vui tươi là một cấu trúc phức tạp, gợi nhớ đến những tiểu phẩm piano tinh tế của Mendelssohn. Scherzo nhảy múa với tinh thần ngẫu hứng, gợi lên hình ảnh những nàng tiên tinh nghịch hay tiếng cười trong trẻo của những sinh vật vô hình - một dấu ấn của niềm đam mê Lãng mạn với những điều huyền bí và kỳ ảo.
Ngược lại, Tarantella rạo rực với năng lượng và đam mê mãnh liệt. Lấy cảm hứng từ vũ điệu dân gian sôi động bắt nguồn từ vùng Tarantella miền Nam nước Ý (trước khi thống nhất, vùng đất này từng thuộc về Tây Ban Nha), vốn được người xưa tin rằng có thể chữa lành vết cắn của nhện tarantula, tác phẩm tỏa ra một sức hút nhịp nhàng lan tỏa. Mertz đã khéo léo nắm bắt được chuyển động cuộn xoáy của điệu nhảy, kết hợp kỹ thuật ngón tay phức tạp với những cú gảy đàn mạnh mẽ, dứt khoát. Kỹ thuật điêu luyện và nhịp độ dồn dập của nó thể hiện năng lực kỹ thuật của người nghệ sĩ guitar, đồng thời đưa người nghe vào một thế giới vạn hoa của sắc màu và kết cấu âm nhạc. Người nghe có thể cảm nhận được tiếng vang của phong cách kịch tính Liszt hay những bản mazurka đậm chất dân gian của Chopin trong sự rộn ràng của nó, một minh chứng cho mối liên hệ sâu sắc của Mertz với trường phái Lãng mạn rộng lớn hơn.
Scherzo và Tarantella hé lộ tài năng của Mertz không chỉ với tư cách là một nhà soạn nhạc mà còn là một nghệ sĩ guitar có khả năng nâng tầm nhạc cụ của mình lên đến đỉnh cao biểu cảm của piano hay dàn nhạc. Âm nhạc của ông vượt qua kích thước nhỏ bé của cây đàn guitar, tạo nên những khung cảnh bao la, hòa quyện giữa vẻ đẹp trữ tình, kỹ thuật xuất sắc và đam mê Lãng mạn.
FRANZ XAVER GRUBER (1787-1863)
Stille Nacht (Đêm Thánh vô cùng) (1818)
Soprano: Phạm Phương Khanh, Piano: Trần Nguyễn Thụy Khanh
Vào một đêm Giáng sinh se lạnh năm 1818, tại ngôi làng Oberndorf yên bình của nước Áo, một khúc ca với giai điệu đơn sơ mà đẹp tuyệt mỹ đã vang lên, làm lay động không gian. Stille Nacht, heilige Nacht (Đêm an lành, đêm huyền diệu) ra đời trong nhà thờ Nikolauskirche khiêm nhường, với giai điệu do Franz Xaver Gruber, một thầy giáo kiêm nghệ sĩ organ địa phương, sáng tác dựa trên lời thơ được viết hai năm trước đó bởi Joseph Mohr, một linh mục trẻ tuổi. Bài thánh ca đầy xúc động này, được trình diễn đêm đó với tiếng đệm đàn guitar do cây đàn organ của nhà thờ bị hỏng, đã vượt qua thời gian và biên giới để trở thành khúc ca Giáng sinh được yêu mến nhất trong lịch sử.
Trong bối cảnh châu Âu kiệt quệ sau những cuộc chiến tranh Napoleon, lời ca của Mohr mang đến thông điệp về hòa bình và an ủi. Lấy cảm hứng từ khung cảnh mùa đông thanh bình, thơ của ông gợi lên một sự tĩnh lặng thiêng liêng, nơi những người chăn cừu run rẩy dưới ánh sáng thiên đàng và thế giới hân hoan chào đón sự ra đời của Đấng Cứu Thế. Giai điệu của Gruber, ban đầu là một bản nhạc êm dịu với nhịp 6/8 du dương, phản ánh sự yên bình này, mời gọi tất cả người nghe hãy an yên trong vòng tay thanh thản của thiên đàng.
Hành trình của bài thánh ca từ một nhà thờ nhỏ ở Áo đến với danh tiếng toàn cầu là một câu chuyện về cộng đồng và truyền thống. Một người thợ sửa đàn organ, say mê khúc thánh ca, đã mang nó về làng của mình, rồi những ca sĩ dân gian rong ruổi khắp châu Âu đã lan truyền ca khúc. Vào giữa thế kỷ 19, ca khúc đã được cất lên tại các cung điện hoàng gia và sau đó thành phố New York, Mỹ vào năm 1839. Sức hấp dẫn phổ quát của bài hát đã lên đến đỉnh điểm trong một khoảnh khắc đáng nhớ trong Thế chiến I, khi những người lính đối địch trên Mặt trận phía Tây buông súng và cùng nhau hát Đêm Thánh vô cùng qua các chiến hào.
Qua nhiều năm, Đêm Thánh vô cùng đã được dịch ra hơn 300 ngôn ngữ, giai điệu êm dịu này kết nối các nền văn hóa đa dạng trong ngày lễ Giáng sinh chung. Mặc dù sáu câu thơ gốc hiếm khi được hát đầy đủ, nhưng tinh túy của bài thánh ca vẫn còn đó, minh chứng cho sức mạnh bền bỉ của âm nhạc trong việc truyền cảm hứng cho hòa bình và hy vọng.
Ngày nay, tác phẩm khiêm nhường của Gruber và Mohr đã được UNESCO công nhận là Di sản Văn hóa Phi vật thể. Sự đơn giản của bài thánh ca ẩn chứa chiều sâu, giai điệu và thông điệp nói lên khát vọng muôn đời về sự hòa hợp trong một thế giới đầy khó khăn. Khi những tia sáng rực rỡ của "ánh sáng thuần khiết của tình yêu" chiếu sáng khúc thánh ca vượt thời gian này, Đêm Thánh vô cùn gtiếp tục vang vọng lời hứa thanh bình: "Hãy ngủ yên trong thiên đàng an bình."
ANDREW LLOYD WEBBER (b. 1948)
"Memory" from musical "Cats" (1981)
("Ký ức" từ phim âm nhạc "Những chú mèo")
Soprano: Phạm Phương Khanh, Piano: Trần Nguyễn Thụy Khanh
"Memory"(Ký ức) của Andrew Lloyd Webber là một khúc ca đẹp ma mị và vang vọng mãi, một tác phẩm đầy xúc động trong vở nhạc kịch "Những chú mèo" nổi tiếng. Dựa trên lời thơ đầy gợi hình của Trevor Nunn - được trích từ các bài thơ "Hành khúc trong đêm lộng gió" và "Khúc dạo đầu" của T.S. Eliot - bài hát này vượt ra khỏi nguồn gốc sân khấu, trở thành một hiện tượng văn hóa và là một trong những sáng tác nổi tiếng nhất của Webber.
Được thể hiện bởi Grizabella, một cô mèo đã hết thời, Ký ức là một bản ballad về nỗi nhớ và sự hồi tưởng, một cuộc khám phá đau lòng về sự hối tiếc, khao khát và dòng chảy thời gian. Khi nhân vật nhớ lại quá khứ huy hoàng của mình, cô đối mặt với sự xa lánh và cô đơn, dệt nên một câu chuyện cá nhân sâu sắc hòa quyện vào khát vọng cứu rỗi và được thuộc về. Bài hát xuất hiện hai lần trong vở nhạc kịch - lần đầu như một lời than thở ngắn ngủi vào cuối Màn I và sau đó là phiên bản đầy đủ, đầy cảm xúc trong Màn II, đánh dấu đỉnh cao trong hành trình tìm kiếm sự chấp nhận và đổi mới của Grizabella.
Về mặt âm nhạc, Ký ức mang âm hưởng của Puccini, với những giai điệu bay bổng và những bước chuyển hòa âm phong phú gợi lên sự tương đồng với những aria trong opera. Được sáng tác ở giọng Si giáng trưởng, bài hát chuyển đổi qua các giọng và nhịp điệu, phản ánh những cảm xúc mong manh nhưng kiên định của Grizabella. Các mô-típ lặp lại - bắt nguồn từ nỗi buồn và lên đến đỉnh điểm là sự chiến thắng - thấm đượm tác phẩm với một giai điệu vượt thời gian. Tiếng kêu đầy khao khát "Hãy chạm vào tôi" của Grizabella ở cao trào bài hát kết tinh sự mong manh và hy vọng của cô, phá vỡ rào cản giữa cô và bộ tộc Jellicle.
Về mặt ca từ, Ký ức kết hợp hình ảnh phản chiếu của Eliot với sự sáng tạo trữ tình của Nunn, vẽ nên một thế giới nơi ánh trăng cô độc và những bông hồng tàn úa tượng trưng cho bản chất phù du của vẻ đẹp và niềm vui. Tuy nhiên, khi bình minh hứa hẹn sự đổi mới, bài hát cân bằng sự tuyệt vọng với một hy vọng mong manh, thể hiện chủ đề tái sinh làm nền tảng cho "Những chú mèo".
Kể từ khi ra mắt, Ký ức đã thu hút trí tưởng tượng của khán giả và các nghệ sĩ, truyền cảm hứng cho vô số cách diễn giải và bản thu âm. Trong nhà hát, đó là khoảnh khắc cao trào của Grizabella - một lời nhắc nhở về sức mạnh của âm nhạc để truyền tải cảm xúc sâu sắc và cứu rỗi tâm hồn. Vượt ra ngoài sân khấu, thông điệp của tác phẩm vang vọng khắp nơi: ngay cả trong những giờ phút đen tối nhất, một ngày mới vẫn sẽ luôn bắt đầu.
ADOLPHE ADAM (1803–56)
O Holy Night (Đêm Thánh nhiệm màu) (1850)
Soprano: Vũ Quỳnh Như Anh, Piano: Trần Nguyễn Thụy Khanh
"O Holy Night" (Đêm Thánh nhiệm màu) của Adolphe Adam, ban đầu được sáng tác với tên gọi "Minuit, Chrétiens" (Nửa đêm rồi, hỡi người Kitô hữu), giữ một vị trí cao quý trong số các bài thánh ca Giáng sinh. Giai điệu bay bổng và thông điệp sâu sắc của nó khắc họa niềm kinh ngạc trước sự ra đời của Chúa Giê–su, mang đến khoảnh khắc tĩnh lặng và suy tư giữa mùa lễ hội nhộn nhịp. Được sáng tác vào năm 1847 để kỷ niệm việc tu sửa một cây đàn organ trong nhà thờ ở Roquemaure, Pháp, nguồn gốc của bài thánh ca này đan xen giữa lòng sùng đạo và sự bất ngờ. Lời bài hát, được viết bởi Placide Cappeau – một thương gia rượu vang và tự xưng là người vô thần – đã kết hợp với âm nhạc rực rỡ của Adam để tạo nên một bài thánh ca tuyệt đẹp.
Buổi ra mắt tại Pháp có sự tham gia của ca sĩ opera Emily Laurey, người đã thổi hồn vào tác phẩm qua màn trình diễn tại nhà thờ địa phương. Vài năm sau, bài thánh ca này được biết đến trên toàn thế giới thông qua bản chuyển thể tiếng Anh của John Sullivan Dwight, một mục sư Unitar và nhà phê bình âm nhạc. Bản dịch của Dwight đã làm dịu đi tính tranh đấu trong bản gốc tiếng Pháp. Ông nhấn mạnh chủ đề hòa bình và ánh sáng thiêng liêng. Lời kêu gọi cao trào "Hãy quỳ xuống" của bài thánh ca bao hàm cả ý nghĩa tâm linh và sự vĩ đại trong âm nhạc, với những câu hát cuối cùng mang đến tuyên ngôn vang dội về hy vọng.
Tuy nhiên, ngay từ khi ra đời, "Minuit, Chrétiens" đã vấp phải nhiều tranh cãi. Giới chức sắc nhà thờ phê bình phong cách opera và những điểm mơ hồ về giáo lý trong bài hát, trong khi sức hấp dẫn rộng rãi của nó – đối với cả những buổi tụ họp thế tục lẫn tôn giáo – đã làm mờ ranh giới giữa sự tôn kính tôn giáo và giải trí đại chúng. Bất chấp những phản đối này, bài thánh ca vẫn tìm được một vị trí bền vững trong truyền thống Giáng sinh, đặc biệt là ở Canada, nơi việc biểu diễn ca khúc trong Thánh lễ Nửa đêm đã trở thành một vinh dự đáng tự hào.
Adam, nổi tiếng với vở ballet "Giselle", chắc hẳn chưa bao giờ tưởng tượng rằng tác phẩm được đặt hàng này sẽ trở thành di sản bền bỉ nhất của ông. Tuy nhiên, Đêm Thánh nhiệm màu vẫn tiếp tục truyền cảm hứng, giai điệu da diết và lời bài hát lay động nhắc nhở người nghe về câu chuyện thiêng liêng đêm Giáng sinh. Cho dù được hát trong nhà thờ lung linh ánh nến hay quảng trường phủ đầy tuyết trắng, tác phẩm vẫn là một cống vật sáng chói của tâm linh được tạo nên bởi sức mạnh của âm nhạc.
FRANZ SCHUBERT (1797–1828)
"Ellens Gesang III", D. 839, Op. 52, Ave Maria (Kính mừng Maria) (1825)
Soprano: Vũ Quỳnh Như Anh, Piano: Trần Nguyễn Thụy Khanh
Ellens Gesang III của Franz Schubert, thường được biết đến với tên gọi Kính mừng Maria, là một trong những tác phẩm được yêu mến nhất của nhà soạn nhạc và là viên ngọc quý trong kho tàng thanh nhạc cổ điển. Được viết vào năm 1825 như một phần trong bảy ca khúc lấy cảm hứng từ bài thơ "Nàng tiên của hồ" của Sir Walter Scott, tác phẩm này đã trở thành một bản thánh ca vượt thời gian về lòng sùng kính và sự an ủi.
Kính mừng Maria của Schubert bắt nguồn từ bản dịch tiếng Đức của Adam Storck cho bài thơ của Scott. Trong câu chuyện, Ellen Douglas – "Nàng tiên của hồ" – tìm nơi ẩn náu cùng cha mình trong một hang động, dâng lên Đức Mẹ Maria lời cầu nguyện tha thiết để được che chở giữa cuộc nổi loạn và lưu đày. Giai điệu tuyệt vời của Schubert đã nắm bắt khoảnh khắc cầu nguyện này, đan xen giữa sự giản dị với chiều sâu cảm xúc sâu sắc.
Tác phẩm được viết cho giọng nữ cao và piano, mở đầu bằng lời cầu nguyện Kính mừng Maria đầy biểu tượng. Chính điều này đã dẫn đến việc chuyển thể tác phẩm để sử dụng với lời cầu nguyện Latin cùng tên. Mặc dù bản gốc của Schubert không nhằm mục đích phụng vụ, nhưng giai điệu và sự tôn kính dịu dàng đã khiến nó trở thành lựa chọn được yêu thích cho các nghi thức tôn giáo và lễ nghi trên toàn thế giới. Vẻ đẹp thanh bình và giai điệu duyên dáng của bài hát vang vọng sâu sắc, cho dù trong bản tiếng Đức gốc hay trong bản Latin phổ biến.
Ra mắt tại lâu đài của Nữ bá tước Sophie Weissenwolff ở Steyregg, Áo và được dành tặng cho bà, tác phẩm đã đạt đến mức độ nổi tiếng mà chính Schubert có lẽ cũng không ngờ tới. Việc được đưa vào bộ phim "Fantasia" (1940) của Walt Disney đã giới thiệu Kính mừng Maria đến với những khán giả mới, củng cố thêm vị trí của tác phẩm trong văn hóa đại chúng.
Schubert đã sáng tác Kính mừng Maria như một phần của một tuyển tập ca khúc lớn hơn, nhưng tác phẩm này nổi bật do sự kết hợp tinh tế giữa giọng hát và piano, trong đó piano mô phỏng tiếng đàn hạc của người đệm đàn cho Ellen trong câu chuyện. Kết quả là một bức tranh âm thanh tinh tế nói lên cả thần tính và nhân tính, mang đến sự an ủi, hy vọng và cảm giác kinh sợ nhẹ nhàng.
Mặc dù cuộc đời của Schubert ngắn ngủi, nhưng Kính mừng Maria của ông vẫn trường tồn như một minh chứng cho thiên tài của ông. Tác phẩm vẫn là cầu nối giữa thần thánh và thế tục, một giai điệu chạm đến trái tim và tâm linh với vẻ đẹp vượt thời gian.
PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY (1840–93)
"Danse Des Mirlitons" from suite “The Nutcracker”, Op.71a, arr. For 4 Flutes (1892)
("Điệu nhảy của những chiếc kèn mirliton" trích từ tổ khúc "Kẹp hạt dẻ”, Tập 71a, chuyển soạn cho 4 Sáo)
Flute Quartet: Phùng Thái Hà, Nguyễn Minh Đăng, Trương Hữu Duy, Phạm Thị Thu Thảo
Kẹp hạt dẻ của Tchaikovsky đã trở thành biểu tượng của mùa lễ hội trên toàn thế giới, những giai điệu vang lên khắp mọi nơi, từ sân khấu ballet đến nhạc phim, và ngay cả những người nghe bình thường nhất cũng nhận ra sức hút kỳ diệu của nó. Trong tổ khúc nổi tiếng đó có "Danse des Mirlitons" (Điệu nhảy của những chiếc kèn mirliton) – một bản nhạc tinh tế và kỳ lạ tỏa ra nét duyên dáng và uyển chuyển. Được sáng tác như một phần của Màn II trong vở ballet, nơi Clara được chiêu đãi trong Vương quốc Kẹo ngọt kỳ ảo, Điệu nhảy của những chiếc kèn mirliton toát lên vẻ thanh lịch tinh tế, một thế giới hoàn toàn khác với "Trepak" bốc lửa hay "Điệu nhảy Ả Rập" quyến rũ.
Thuật ngữ "mirliton" ám chỉ một loại kèn làm bằng sậy hoặc kazoo, nhưng nó cũng là một cách gọi vui đùa cho một loại bánh ngọt của Pháp. Ý nghĩa kép này phản ánh sự kết hợp tuyệt vời giữa âm nhạc và ẩm thực trong vở ballet. Trong "điệu nhảy" này, Tchaikovsky tạo ra sự đan xen tinh tế của các giai điệu, chủ yếu được thể hiện bởi những cây sáo với những giai điệu tươi sáng uốn lượn. Giai điệu nhẹ nhàng, bay bổng, như những vũ công đang xoay tròn hay những bông tuyết lấp lánh.
Được soạn lại cho bốn cây sáo, tác phẩm mang một diện mạo mới mẻ, tôn vinh khả năng mô phỏng bầu không khí thanh tao và huyền ảo của bản phối khí gốc của nhạc cụ này. Những cây sáo đan xen vào nhau trong một bức tranh âm thanh quyến rũ, thể hiện sự nhanh nhẹn và sắc thái trong trẻo của chúng đồng thời nắm bắt sự phức tạp đầy vui tươi trong bản nhạc của Tchaikovsky.
Được sáng tác vào năm 1892 cho Nhà hát Hoàng gia Mariinsky ở St. Petersburg, Kẹp hạt dẻ ban đầu không được đón nhận nồng nhiệt, đặc biệt là vở ballet. Tuy nhiên, bản nhạc của Tchaikovsky ngay lập tức được công nhận là một kiệt tác. Tổ khúc dàn nhạc của nó đã trở thành một tác phẩm được yêu thích trong phòng hòa nhạc từ rất lâu trước khi vở ballet này có được vị thế biểu tượng như ngày nay. Phản ánh thiên tài của ông, âm nhạc tràn ngập những giai điệu quyến rũ, âm sắc sống động và một cảm giác kỳ diệu khó tả – minh chứng cho tài năng của nhà soạn nhạc trong việc tạo ra "nhạc khiêu vũ hay", như chính ông từng nói.
Trong bản phối này, Điệu nhảy của những chiếc kèn mirliton hiện lên với một diện mạo mới, tôn vinh âm thanh trữ tình của sáo. Soạn phẩm mang đến một lời nhắc nhở hoàn hảo về lý do tại sao âm nhạc của ông vẫn tiếp tục vang vọng qua nhiều thế hệ, đưa người nghe đến một thế giới nơi kẹo ngọt nhảy múa, sáo ca hát và phép màu của mùa lễ hội ngự trị.
GEORGES BIZET (1838–75) / arr. JAMES CHRISTENSEN (1935–2020)
Habanera, arr. for 4 Flutes (1875)
Flute Quartet: Phùng Thái Hà, Nguyễn Minh Đăng, Trương Hữu Duy, Phạm Thị Thu Thảo
Ít có tác phẩm âm nhạc nào khắc họa kịch tính và sức hấp dẫn của opera một cách sống động như Carmen của Bizet, một kiệt tác đã khiến khán giả bị sốc ngay lần đầu công diễn nhưng sau đó đã trở thành nền tảng của kho tàng opera. Trong đó, Habanera – aria quyến rũ của Carmen khi xuất hiện – là biểu tượng sống động cho sự tự do, khát khao và bản chất khó lường của tình yêu. Trong bản phối này cho tứ tấu sáo của James Christensen, aria vượt thời gian này mang một diện mạo mới mẻ, sôi động, nhấn mạnh vẻ duyên dáng trong giai điệu và sự hấp dẫn trong nhịp điệu của nó.
Bản thân vở opera Carmen, được công diễn lần đầu vào năm 1875, là một tác phẩm đột phá. Tác phẩm đã kết nối truyền thống trữ tình của opéra comique Pháp với chủ nghĩa hiện thực trần trụi, điều mà sau này sẽ thống trị trường phái verismo Ý. Mặc dù ban đầu gây tranh cãi, nhưng opera của Bizet đã sớm thu hút khán giả trên toàn thế giới, được ca ngợi vì những nhân vật sống động và những giai điệu không thể quên. Thật không may, Bizet đã không thể chứng kiến thành công của tác phẩm cuối cùng của mình, ông qua đời chỉ vài tháng sau buổi ra mắt.
Habanera, có tên gọi chính thức là "L'amour est un oiseau rebelle" (Tình yêu là chú chim nổi loạn), mở màn Màn I của Carmen với sự kết hợp mê hoặc giữa quyến rũ và thách thức. Bizet đã chuyển thể giai điệu của nó từ "El Arreglito", một bản habanera của Tây Ban Nha do Sebastián Yradier sáng tác, thổi vào đó nét nghệ thuật đặc trưng của riêng mình. Những đường nét luyến láy uốn lượn, được đặt trên nền nhịp điệu lôi cuốn lấy cảm hứng từ điệu nhảy Cuba, phản ánh những cảm xúc thay đổi nhanh chóng mà Carmen thể hiện – tự do, nguy hiểm và sức hút không thể cưỡng lại của những khoái lạc thoáng qua của tình yêu.
Christensen, nhà soạn nhạc và nhạc trưởng nổi tiếng người Mỹ, mang đến một sức sống độc đáo cho tác phẩm biểu tượng này. Nổi tiếng với những đóng góp to lớn của mình cho cả âm nhạc cổ điển và đại chúng, các bản phối của Christensen đã được trình diễn ở nhiều nơi, từ các công viên giải trí Disney đến phòng hòa nhạc. Bản chuyển thể Habanera của ông là minh chứng cho khả năng tôn trọng bản gốc đồng thời tái hiện nó theo một hình thức mới và hấp dẫn.
Bản phối cho tứ tấu sáo của James Christensen vẫn giữ được nét quyến rũ của aria đồng thời tôn vinh khả năng trữ tình và kỹ thuật của sáo. Sự kết hợp của bốn cây sáo biến bản gốc thành một cuộc đối thoại thân mật, phong phú về màu sắc và âm sắc. Những đường nét luyến láy uốn lượn gợi lên vẻ quyến rũ trêu ngươi của cô gái di–gan, trong khi nhịp điệu nhảy múa nhẹ nhàng giữ vững bản nhạc, duy trì sức hút không thể cưỡng lại của nó.
Trong bản chuyển soạn cho bốn cây sáo này, Habanera mang âm hưởng nhẹ nhàng, lung linh, nắm bắt được bản chất nhân vật Carmen đồng thời thể hiện khả năng biểu đạt của tứ tấu. Cho dù trên sân khấu opera hay trong bản phối thân mật này, Habanera vẫn tiếp tục mê hoặc, tinh thần nổi loạn của nó vang vọng qua nhiều thế hệ.
NGUYỄN LÊ TUYÊN (b. 1965)
Highland Dreaming (Giấc mơ cao nguyên) (2024)
Piano: Đặng Trí Dũng
Giấc mơ cao nguyên là một hành trình âm nhạc đầy xúc động và gợi cảm, kết nối văn hóa cồng chiêng truyền thống của Việt Nam với âm nhạc cổ điển đương đại. Được sáng tác bởi Nguyễn Lê Tuyên, một nhà soạn nhạc và học giả người Úc gốc Việt am hiểu sâu sắc âm thanh và truyền thống của quê hương, tác phẩm này vừa là một sự tôn vinh, vừa là lời kêu gọi bảo tồn những cảnh quan văn hóa và thiên nhiên độc đáo của vùng Tây Nguyên, Việt Nam.
Được chỉnh sửa hoàn thiện vào năm 2024 nhưng bắt nguồn từ một tác phẩm guitar sáng tác năm 1996, Giấc mơ cao nguyên lấy cảm hứng từ những ngọn núi hùng vĩ, những khu rừng thiêng và âm vang của cồng chiêng bên lửa trại của Tây Nguyên. Những yếu tố này được lồng ghép một cách tinh tế vào tác phẩm, kết hợp các thang âm cồng chiêng và nhịp điệu nhảy múa truyền thống, gợi lên hình ảnh những buổi tụ họp cộng đồng bên ánh lửa bập bùng.
Nhịp điệu của những điệu nhảy truyền thống, ánh sáng lung linh của lửa trại, và vẻ đẹp bao la, thiêng liêng của núi rừng đều được dệt nên trong từng nốt nhạc. Tất cả hòa quyện vào nhau, tạo nên một bức tranh âm thanh sống động. Nhà soạn nhạc sử dụng thang âm ngũ cung của nhạc cụ cồng chiêng và nhịp điệu nhảy múa truyền thống Tây Nguyên để mang đến sự chân thực cho tác phẩm. Nốt thấp nhất của piano, nốt Rê giáng trầm, tượng trưng cho chiếc cồng lớn nhất trong dàn nhạc cồng chiêng, trong khi kỹ thuật tremolo (reo dây) gợi lên ánh sáng lung linh, mê hoặc của lửa trại.
Vượt ra ngoài sự phức tạp về mặt kỹ thuật, Giấc mơ cao nguyên còn là một suy ngẫm về mối quan hệ tương tác tinh tế giữa con người và thiên nhiên. Tác phẩm nắm bắt tinh thần của một vùng đất nơi âm nhạc không chỉ là nghệ thuật mà còn là chính cuộc sống – một phương tiện kể chuyện, ăn mừng và kết nối. Tác phẩm cũng là minh chứng cho tầm nhìn sáng tạo của Nguyễn Lê Tuyến, kết hợp di sản âm nhạc dân tộc Việt Nam với ngôn ngữ âm nhạc cổ điển.
Giấc mơ cao nguyên của Nguyễn Lê Tuyến cho thấy sự tận tâm của ông trong việc kể chuyện văn hóa thông qua âm nhạc. Phiên bản đầu tiên được hoàn thành trong Hội nghị Quốc tế về Cồng chiêng Tây Nguyên năm 2009 tại Pleiku, tác phẩm cũng là một lời kêu gọi bảo vệ môi trường và văn hóa. Không chỉ tôn vinh văn hóa cồng chiêng Tây Nguyên – di sản được UNESCO công nhận là Di sản Văn hóa Phi vật thể của Nhân loại, tác phẩm đồng thời ủng hộ việc bảo vệ hệ sinh thái mong manh của khu vực.
SERGEI RACHMANINOFF (1873–1943)
Romance & Valse for 6 Hands (1890–91)
Primo: Hoàng Hạnh Dung, Secondo: Nguyễn Phương Uyên, Terzo: Đặng Thị Tường Uyên
Được sáng tác trong những năm tháng niên thiếu, Valse và Romance viết cho piano sáu tay của Sergei Rachmaninoff hé lộ tài năng chớm nở của một nhà soạn nhạc được định mệnh trở thành một trong những tác gia được yêu mến nhất của thời kỳ Lãng mạn. Được viết vào năm 1890–91, những tác phẩm này tràn đầy nét duyên dáng trẻ trung và sự tinh tế đang hình thành. Dành tặng cho ba chị em nhà Skalon, những người em họ xa của Rachmaninoff.
Romance mở đầu bằng một đoạn dạo đầu trữ tình mà sau này sẽ xuất hiện trở lại, được tinh chỉnh và biến đổi, trong Concerto dành cho piano số 2 nổi tiếng của Rachmaninoff. Ở đây, nó đóng vai trò như một lời mở đầu dịu dàng cho những giai điệu xúc động của tác phẩm, tỏa ra vẻ thanh bình và một chiều sâu cảm xúc ẩn chứa. Mặc dù ngắn gọn, Romance vẫn bao trùm một bầu không khí thân mật và hoài niệm, làm nổi bật tài năng của Rachmaninoff trong việc tạo ra những giai điệu gây cộng hưởng cảm xúc ngay cả khi còn trẻ.
Ngược lại, Valse tràn đầy năng lượng và sự thanh lịch, thể hiện khía cạnh tinh nghịch của Rachmaninoff. Được xây dựng xung quanh một chủ đề do Natalia Skalon, một trong ba người được dành tặng tác phẩm, sáng tác, bản nhạc nhảy múa với sự sôi nổi nhưng vẫn giữ được nét tinh tế. Nhịp điệu du dương và âm sắc lung linh của nó mời gọi cả người biểu diễn lẫn người nghe bước vào một thế giới sôi động đầy mê hoặc và vui tươi, nhấn mạnh tài năng của nhà soạn nhạc trong việc tạo ra âm nhạc vừa kỹ thuật tinh xảo vừa hấp dẫn.
Mặc dù có quy mô khá khiêm tốn so với những kiệt tác sau này của Rachmaninoff, những tác phẩm dành cho sáu tay này vẫn tiết lộ những dấu ấn trong phong cách trưởng thành của ông: hòa âm phong phú, giai điệu đáng nhớ và cảm quan kịch tính sắc bén. Việc Rachmaninoff dành tặng tác phẩm cho chị em nhà Skalon cũng cho thấy mối liên hệ cá nhân giữa họ. Điều này mang đến cho tác phẩm một sắc thái gần gũi, thân mật như gia đình.
Ngày nay, Valse và Romance là những tác phẩm hiếm hoi và thú vị trong sự nghiệp sáng tác của Rachmaninoff, mở ra một cánh cửa nhìn vào tài năng thời kỳ đầu của một nhà soạn nhạc mà âm nhạc của ông sẽ tiếp tục định hình nền piano Lãng mạn. Hình thức độc đáo dành cho piano sáu tay càng làm tăng thêm sức hấp dẫn của chúng, mời gọi sự hợp tác và cảm giác chia sẻ niềm vui âm nhạc – một phẩm chất vẫn trường tồn cùng với thời gian như chính âm nhạc của Rachmaninoff.
MYKOLA LEONTOVYCH (1877-1921), arr. MATT RILEY (b. 1982)
Carol of the Bells, arr. for Piano 6 Hands (1914)
(Khúc nhạc chuông ngân, chuyển soạn cho Piano 6 tay)
Primo: Hoàng Hạnh Dung, Secondo: Nguyễn Phương Uyên, Terzo: Đặng Thị Tường Uyên
Bản chuyển soạn "Carol of the Bells" (Khúc nhạc chuông ngân) cho piano sáu tay của Matt Riley đã biến tác phẩm kinh điển này thành một màn trình diễn nghệ thuật đầy mê hoặc, thể hiện sự chính xác và tinh thần hợp tác. Bắt nguồn từ truyền thống dân gian Ukraina và nổi tiếng trên toàn thế giới thông qua tác phẩm hợp xướng "Shchedryk" của Mykola Leontovych vào năm 1914.
Giai điệu gốc, lấy cảm hứng từ một bài hát dân gian chúc may mắn vào đêm giao thừa, được xây dựng trên một mô-típ lặp đi lặp lại gồm bốn nốt nhạc, gợi lên hình ảnh những tiếng chuông ngân vang. Bản chuyển soạn của Riley vẫn giữ nguyên mô-típ quen thuộc này. Đồng thời, tác giả nâng tầm nó thông qua sự tương tác độc đáo của ba nghệ sĩ piano cùng chơi trên một cây đàn. Kết cấu sáu tay khuếch đại năng lượng vốn có của tác phẩm, tạo nên những lớp tương phản đầy sức sống, những đoạn chạy ngón lấp lánh và sự giao thoa nhịp điệu phức tạp, mang đến một màn trình diễn đầy cường độ sôi động và không khí lễ hội.
Riley, một nhà soạn nhạc và biên khí nổi tiếng, được ca ngợi vì những tác phẩm vừa sáng tạo vừa dễ tiếp cận, đã tiếp cận bản chuyển soạn này với sứ mệnh truyền cảm hứng cho cả người biểu diễn lẫn khán giả. Bằng cách mở rộng khả năng của Khúc nhạc chuông ngân thành một tác phẩm hợp tấu kỹ thuật, tác giả thách thức các nghệ sĩ piano phải đồng bộ hóa với độ chính xác và đam mê, mang tinh thần hào hứng của mùa lễ hội vào cuộc sống.
Bản chuyển soạn này phản ánh triết lý của Riley: âm nhạc là một trải nghiệm chung, nhưng cũng đầy biến đổi. Sự hợp tác của những người nghệ sĩ phản ánh bản chất của những ngày lễ cộng đồng, sự hào phóng và niềm vui. Với những quãng hợp âm rải tuôn chảy, hòa âm vang dội và nhịp điệu mạnh mẽ, bản chuyển thể này không chỉ tôn vinh nguồn gốc lịch sử và văn hóa của bài thánh ca mà còn tái hiện nó như một màn trình diễn hiện đại của các tài năng âm nhạc.
Trong Khúc nhạc chuông ngân cho piano sáu tay, người nghe bắt gặp cả điều cổ xưa lẫn cái mới mẻ – một bài ca tụng lễ hội cho truyền thống nhưng cũng bao hàm sự sáng tạo vô hạn của âm nhạc hiện đại. Tác phẩm biểu diễn sôi động này hứa hẹn sẽ làm say mê khán giả và truyền cảm hứng về những mùa lễ hội diệu kỳ.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756–91)
Piano Concerto No. 21 in C Major, K.467: I. Allegro maestoso (1785)
(Concerto dành cho piano Số 21 giọng Đô trưởng, K.467: Chương I. Allegro maestoso)
Piano 1: Lữ Hoàng Thịnh, Piano 2: Trần Yến Nhi
Vào mùa xuân năm 1785, Wolfgang Amadeus Mozart đang ở đỉnh cao sự nghiệp, làm kinh ngạc khán giả Vienna bằng tài năng trình diễn piano và soạn nhạc xuất chúng của mình. Giữa guồng quay sôi động đó, ông đã cho ra đời một trong những kiệt tác bất hủ nhất của mình: Concerto dành cho piano số 21 giọng Đô trưởng, K. 467. Hoàn thành vào ngày 9 tháng 3 và được biểu diễn vào ngay tối hôm sau, tác phẩm này là tinh hoa thiên tài của Mozart trong việc kết hợp sự thanh lịch, kịch tính và sáng tạo trong khuôn khổ của concerto cổ điển.
Bản chuyển soạn dành cho hai piano đã thổi một luồng gió mới vào phiên bản gốc vốn được viết cho piano và dàn nhạc. Phần đệm của dàn nhạc nay được soạn lại cho piano thứ hai, mang đến sự kết nối thân mật, tâm tình hơn giữa hai cây piano.
Chương đầu tiên, Allegro maestoso (Nhanh, trang nghiêm), mở ra với một chủ đề như một khúc hành quân êm đềm nhưng đầy kỳ vọng. Màn dạo đầu này, đầy sức sống và hoành tráng, mở đường cho sự xuất hiện của piano thứ 2 – nhẹ nhàng, suy tư và gần như do dự, như thể nó đang lén nghe cuộc thanh âm của piano đầu tiên. Tuy nhiên, khoảnh khắc kiềm chế này chỉ thoáng qua, khi piano nhanh chóng cất cánh, giới thiệu những chủ đề trữ tình rực rỡ và năng lượng tinh nghịch. Kỹ thuật viết nhạc của Mozart thực sự tỏa sáng ở đây, khi 2 cây piano trao đổi những giai điệu tươi sáng và những lời nhắn gửi du dương, tạo nên một cuộc đối thoại phong phú.
Điều khiến concerto này, và thực sự là phần lớn các tác phẩm của Mozart, nổi bật là sự từ chối tuân theo những công thức có thể dự đoán trước. Chương nhạc đặt những khoảnh khắc vui tươi lung linh với sự tự vấn xúc động cạnh nhau, chạm nhẹ vào một đoạn nhạc giọng thứ gợi nhớ đến những cảm xúc bão táp trong Giao hưởng số 40 của ông. Tuy nhiên, những bóng tối này chỉ thoáng qua, bị xua tan bởi sự trở lại hoành tráng của các chủ đề chính.
Allegro maestoso là minh chứng cho khả năng kết hợp một cách nhuần nhuyễn sự hoành tráng của giao hưởng với kỹ thuật biểu diễn tinh tế của concerto dành cho piano của Mozart. Đó là một cuộc đối thoại giữa những người ngang hàng: mỗi nhạc cụ đều có giọng nói riêng, nhưng đan xen vào nhau trong một điệu nhảy phức tạp và biểu cảm.
Mặc dù lịch sử nhớ đến Concerto dành cho piano số 21 của Mozart một phần vì chương thứ hai thanh tao, được lưu danh trong bộ phim "Elvira Madigan" năm 1967, nhưng chương đầu tiên vẫn là minh chứng cho tài năng nghệ thuật của ông. Chương nhạc bao hàm những mặt đối lập trong thiên tài của Mozart – tài năng của ông trong việc thể hiện kịch tính và hài hước, sự giản dị và tinh tế, niềm vui và nỗi buồn – khiến người nghe bị thu hút bởi sức sống mãnh liệt của âm nhạc.
FRANZ SCHUBERT (1797–1828)
Winterreise, D. 911: No. 20: Der Wegweiser (1827)
(Đường vào sương tuyết, D. 911: Số 20: Biển chỉ đường)
Tenor: Nguyễn Hoàng Việt, Piano: Đặng Trí Dũng
Trong khung cảnh ảm đạm của "Winterreise" (Đường vào sương tuyết) của Schubert, "Der Wegweiser" (Biển chỉ đường) hiện lên như một suy ngẫm đầy xúc động về nỗi cô đơn và sức mạnh không thể cưỡng lại của số phận. Đây là bài hát thứ hai mươi trong tuyển tập ca khúc, ta bắt gặp Kẻ lang thang đang suy tư về con đường mình đã chọn – một con đường hoang vắng dẫn đến một nơi chốn xa lạ mà không ai trở về. Đó là khoảnh khắc của sự tự vấn cay đắng và sự buông xuôi về mặt tinh thần, đánh dấu một trong những đỉnh điểm cảm xúc của tuyển tập.
Cách Schubert phổ nhạc cho lời thơ của Wilhelm Müller phản ánh nỗi giằng xé nội tâm của Kẻ lang thang với những âm hưởng nhạc thưa thớt và ám ảnh. Sự giản dị không trang trí của phần đệm piano phản ánh sự cằn cỗi của chuyến hành trình, trong khi nhịp điệu nhấn nhá gợi lên bước tiến vững chắc nhưng cam chịu của Kẻ lang thang hướng đến kết thúc cuối cùng. Giai điệu thanh nhạc, kiềm chế nhưng vẫn đầy biểu cảm, vang lên sức nặng của sự cô độc, nắm bắt nỗi tuyệt vọng thầm lặng và quyết tâm của Kẻ lang thang.
Bài hát này là biểu tượng cho tầm vóc cảm xúc sâu sắc của Đường vào sương tuyết, nơi Schubert biến thơ của Müller thành một khám phá sâu sắc và phổ quát về nỗi đau mất mát, khát khao và suy tư hiện sinh. Kẻ lang thang, bị tình yêu ruồng bỏ và xa lánh thế giới, giờ đây quay về bên trong, tìm kiếm sự an ủi không phải ở những con đường sống động của cuộc đời mà ở lời hứa ảm đạm về sự nghỉ ngơi và lãng quên. Biển chỉ đường trong tiêu đề trở thành biểu tượng của sự chắc chắn của cái chết và sức hút không thể thoát khỏi của định mệnh.
Trong Biển chỉ đường, cũng như toàn bộ Đường vào sương tuyết, thiên tài của Schubert nằm ở khả năng gợi lên cả một thế giới cảm xúc bằng những phương tiện đơn giản nhất. Nhịp điệu nhẹ nhàng nhưng không ngừng nghỉ của piano gợi lên tiếng bước chân mệt mỏi, trong khi những thay đổi tinh tế trong hòa âm và nhịp điệu nhấn mạnh sự dồn dập trong cảm xúc của Kẻ lang thang. Những nốt nhạc cuối cùng của bài hát, không được giải quyết và bỏ ngỏ, để lại người nghe lơ lửng trong cùng một không gian bấp bênh mà Kẻ lang thang đang trú ngụ. Đó là một nơi nằm giữa tuyệt vọng và chấp nhận, giữa hiện tại và vĩnh cửu.
Đường vào sương tuyết được sáng tác trong năm cuối đời của Schubert, một khoảng thời gian đầy bệnh tật và dằn vặt về mặt tinh thần. Không phải ngẫu nhiên mà tuyển tập ca khúc này, hơn bất kỳ tác phẩm nào khác của ông, phản ánh nỗi đau đớn và cô lập mà ông phải chịu đựng. Biển chỉ đường, với vẻ thanh thản lạnh lẽo, là minh chứng cho khả năng vô song của Schubert trong việc biến nỗi đau cá nhân thành nghệ thuật siêu việt. Tác phẩm mời gọi chúng ta cùng bước đi bên cạnh Kẻ lang thang trên con đường cô độc của anh ta, đối mặt với những bóng tối của chính sự tồn tại của mình.
MICHAEL MAYBRICK (1841–1913)
Holy City (Vùng đất Thánh) (1892)
Tenor: Nguyễn Hoàng Việt, Piano: Đặng Trí Dũng
Ít có ca khúc nào vang vọng những chủ đề phổ quát về hy vọng, sự cứu chuộc và lời hứa thiêng liêng một cách sâu sắc như "The Holy City" (Vùng đất Thánh). Được sáng tác vào năm 1892 bởi Michael Maybrick, dưới bút danh Stephen Adams, khúc ballad thời Victoria này đã trở thành biểu tượng vĩnh cửu của lòng sùng đạo và sự siêu việt trong nghệ thuật. Với phần lời do Frederic Weatherly chấp bút, tác phẩm đan xen hình ảnh sống động với giai điệu cảm xúc, dệt nên một câu chuyện kéo dài từ lúc Chúa Giê–su tiến vào Jerusalem trong chiến thắng, đến cuộc đóng đinh đầy bi thương và khải tượng rực rỡ về "Tân Jerusalem".
Michael Maybrick (1841–1913) là một nghệ sĩ đa tài, nổi tiếng với cả hai vai trò ca sĩ baritone và nhà soạn nhạc. Sinh ra trong một gia đình có truyền thống âm nhạc ở Liverpool, Maybrick đã bộc lộ tài năng xuất chúng từ khi còn nhỏ. Năm mười lăm tuổi, ông đã là nghệ sĩ organ tại Nhà thờ St. Peter, vị trí từng do chú của ông đảm nhiệm. Trong suốt sự nghiệp của mình, Maybrick đã gặt hái được nhiều thành công với các sáng tác của mình, nhưng chính Vùng đất Thánh mới là tác phẩm củng cố di sản của ông. Sự thành công vang dội của tác phẩm ở Vương quốc Anh và Mỹ đã biến nó thành một trong những bài hát thành công nhất về mặt thương mại của thời đại.
Vùng đất Thánh diễn ra trong ba khổ, mỗi khổ đại diện cho một chương riêng biệt trong thần học Ki–tô giáo. Khổ đầu tiên gợi lại một cách sống động hình ảnh đám đông hân hoan chào đón Chúa Giê–su vào Chủ nhật Lễ Lá, cất cao tiếng hát "Hosanna" (Cầu xin Ngài đến giải cứu chúng con). Khổ thứ hai chuyển sang cảnh tượng ảm đạm của Thứ Sáu Tuần Thánh, với cây thánh giá lờ mờ trên đồi tượng trưng cho sự hy sinh và mất mát. Cuối cùng, khổ thứ ba vượt lên nỗi buồn trần thế, hé lộ vẻ huy hoàng của Tân Jerusalem – một thành phố vĩnh cửu của hòa bình và thống nhất, vang lên những lời tiên tri của Isaiah. Điệp khúc "Jerusalem! Jerusalem! Hãy mở cổng thành và hát vang" lặp đi lặp lại như một điểm tựa vững chắc. Câu hát kết nối thế giới trần tục với cõi vĩnh hằng.
Sự giản dị đầy xúc động và giai điệu bay bổng đã ghi dấu vị trí của tác phẩm trong kho tàng văn hóa. Sức mạnh gợi cảm của tác phẩm được ghi lại trong những câu chuyện như vụ việc trong phòng xử án năm 1911, khi một tù nhân hát bài này đã khiến cả một nhóm người ăn năn hối cải. Bài hát cũng được lưu danh trong văn học, điện ảnh và thậm chí cả những chuyển thể tâm linh, chứng tỏ sức hấp dẫn phổ quát và vượt thời gian của mình.
Vùng đất Thánh của Maybrick nói lên những khát khao sâu thẳm nhất của linh hồn con người – khát khao được cứu chuộc, được thuộc về và được chiêm ngưỡng thần thánh. Di sản bền bỉ của tác phẩm tiếp tục truyền cảm hứng cho người nghe, một minh chứng cho sự tỏa sáng về mặt tâm linh và nghệ thuật của bài hát.
FRANZ DOPPLER (1831–83)
Andante et Rondo in A Major Op. 25, for 2 Flutes and Piano (1874)
(Andante và Rondo giọng La trưởng Tập 25, dành cho 2 Sáo và Piano)
Flute 1: Phạm Thị Thu Thảo, Flute 2: Phùng Thái Hà, Piano: Đặng Trí Dũng
Franz Doppler, nghệ sĩ sáo và nhà soạn nhạc nổi tiếng thời kỳ Lãng mạn, là bậc thầy trong việc thổi hồn vào cây sáo, mang đến cho nhạc cụ này sự kết hợp phong phú giữa chất trữ tình, kỹ thuật điêu luyện và sự quyến rũ. Andante et Rondo (Thong thả và Lặp lại), Tập 25, được viết vào năm 1874, là minh chứng cho tài năng của ông trong việc tạo ra những tác phẩm vừa thể hiện kỹ thuật xuất sắc vừa có chiều sâu biểu cảm. Được viết cho hai cây sáo và piano, tác phẩm tuyệt vời này tiếp tục thu hút khán giả và người biểu diễn bởi vẻ thanh lịch và sức sống của nó.
Tác phẩm mở đầu bằng một chương Andante (Thong thả) ở giọng La trưởng, một chương nhạc trữ tình mời gọi người nghe bước vào thế giới tự vấn lãng mạn. Những giai điệu của Doppler lướt nhẹ nhàng trên nền hòa âm ấm áp, thể hiện sự gần gũi của ông với nét biểu cảm opera. Một phần giữa tương phản ở giọng La thứ mang đến một sức căng nhẹ nhàng, làm phong phú thêm bảng màu cảm xúc của chương nhạc trước khi kết thúc trong vẻ đẹp thanh bình.
Chương Rondo tiếp theo thay đổi bầu không khí một cách đột ngột, bùng nổ với năng lượng tinh nghịch và cuộc đối thoại sôi nổi giữa hai cây sáo. Mặc dù được gọi là rondo, nhưng chương nhạc này đã thoát ly khỏi hình thức truyền thống. Chủ đề chính của chương nhạc – nhẹ nhàng, vui tươi và đậm chất quyến rũ kiểu Mendelssohn – được đan xen với những đoạn nhạc trữ tình, tạo nên sự giao thoa sống động giữa các cung bậc cảm xúc. Một điều bất ngờ là tác phẩm kết thúc ở giọng Đô trưởng với một biến tấu sôi động, thay vì trở lại giọng ban đầu. Cách kết thúc này để lại cho người nghe cảm giác thú vị và thích thú.
Franz Doppler đã viết rất nhiều tác phẩm cho sáo, thường phối hợp với người em trai Karl, một nghệ sĩ sáo nổi tiếng không kém. Hai anh em đã nổi tiếng khắp châu Âu với những màn trình diễn song tấu đầy mê hoặc, và sự ăn ý của họ với tư cách là người biểu diễn và nhà soạn nhạc được thể hiện rõ nét trong tác phẩm này. Mặc dù Doppler đã gặt hái được thành công với vai trò nhạc trưởng và nhà soạn nhạc ballet và opera trong suốt cuộc đời của mình, nhưng chính những tác phẩm của ông viết cho sáo, tràn đầy tinh thần Lãng mạn và mang dấu ấn của âm nhạc Hungary và opera, mới là những tác phẩm vẫn được yêu thích trong phòng hòa nhạc.
Andante et Rondo đến nay là một tác phẩm được biểu diễn thường xuyên của Doppler, một tác phẩm kết nối giữa kỹ thuật điêu luyện với biểu cảm chân thành và tiếp tục tôn vinh tiềm năng biểu đạt của cây sáo.
GIACOMO SARTORI (1860–1946)
Pot–Pourri Popolare (Tuyển tập các giai điệu thân quen)
Saigon Mandolin Guitar Quintet
Giacomo Sartori, bậc thầy mandolin và nhân vật tiêu biểu của nền âm nhạc Ý đầu thế kỷ 20, đã dành cả cuộc đời mình để tôn vinh và nâng tầm âm thanh của các nhạc cụ gảy truyền thống. "Pot–Pourri Popolare" (Tuyển tập các giai điệu thân quen) là minh chứng cho sự tổng hợp tinh tế giữa truyền thống dân gian và sáng tác điêu luyện của ông, trình bày một tuyển tập các giai điệu Ý phổ biến đầy nét duyên dáng, sức sống và sự kết nối sâu sắc với di sản văn hóa của ông.
Chính cái tên Tuyển tập các giai điệu thân quen đã gợi ý về một bức tranh âm nhạc sống động, có thể được lấy cảm hứng từ các truyền thống ca khúc dân gian và phổ biến của quê hương Sartori. Được sáng tác cho dàn nhạc mandolin – một tập hợp năng động của mandolin, mandola, guitar và bass – tác phẩm này thể hiện năng lượng sôi động của các buổi tụ họp cộng đồng và vẻ đẹp trữ tình của cảnh quan âm nhạc nước Ý.
Thông qua nhịp điệu sôi nổi và những mảng tương phản tinh tế, tác phẩm thể hiện sự tinh thông của Sartori về khả năng biểu đạt của các nhạc cụ trong họ mandolin. Kỹ thuật tremolo (reo dây) lung linh với sự phấn khích, pizzicato (gảy dây) thêm vào những nốt nhảy múa tinh nghịch, và các đoạn độc tấu mang đến những khoảnh khắc nội tâm và kỹ thuật điêu luyện. Sự thay đổi nhịp điệu và tốc độ, từ sự vui tươi tràn đầy năng lượng của Allegro vivo (Nhanh, sôi động) đến sự tĩnh lặng nội tâm của Largo (Chậm), tạo nên một câu chuyện âm nhạc phong phú và lôi cuốn. Người nghe được mời gọi vào một hành trình khám phá những cung bậc cảm xúc đa dạng.
Là một nét đặc trưng trong phong cách của Sartori, cấu trúc tuyển tập tôn vinh sự thống nhất trong đa dạng, dệt nên những giai điệu riêng lẻ thành một tổng thể hài hòa và liền mạch. Trong khi các giai điệu cụ thể vẫn chưa được xác định, tinh thần của chúng vang lên với sự chân thực, gợi lên những cảnh tượng vũ khúc đồng quê, những bản tình ca da diết và niềm vui chung của việc sáng tạo âm nhạc.
Được xuất bản trên "Il Mandolino", một tạp chí dành riêng cho thế giới dàn nhạc mandolin đang phát triển mạnh mẽ, Tuyển tập các giai điệu thân quen phản ánh vai trò của Sartori như một người tiên phong trong truyền thống dàn nhạc được yêu mến này. Âm nhạc của ông, mặc dù bắt nguồn sâu sắc từ nền tảng nước Ý, nhưng đã tìm thấy tập khán giả đánh giá cao trên khắp châu Âu, mang lại cho ông nhiều giải thưởng danh giá và khẳng định di sản của ông như một nền tảng của kho tàng mandolin.
Tuyển tập các giai điệu thân quen mời gọi chúng ta đắm chìm trong nhịp điệu sôi động và vẻ đẹp trữ tình, một minh chứng cho tài năng và niềm đam mê của Sartori dành cho tinh thần sống động, bền bỉ của âm nhạc Ý. Cả nghệ sĩ và khán thính giả cùng được lôi cuốn vào một thế giới nơi truyền thống gặp gỡ nghệ thuật, và mỗi nốt nhạc đều cất lên niềm vui của di sản văn hóa được sẻ chia.
SCOTT JOPLIN (1868–1917)
The Entertainer (Nghệ sĩ giải trí) (1902)
Saigon Mandolin Guitar Orchestra
Scott Joplin, được mệnh danh là "Ông vua Ragtime", là một nhân vật có ảnh hưởng lớn trong nền âm nhạc Mỹ. Sinh ra trong một gia đình nô lệ ở chế độ cũ, Joplin đã kết hợp những tinh hoa của âm nhạc cổ điển với nhịp điệu sôi động của truyền thống Âu Mỹ, tạo ra một thể loại vang vọng qua nhiều ranh giới văn hóa. Trong số nhiều tác phẩm biểu tượng của ông, "The Entertainer" (Nghệ sĩ giải trí), được sáng tác vào năm 1902, là minh chứng rực rỡ cho thiên tài của ông.
Với phụ đề "A Rag Time Two Step" (Bản Ragtime hai bước nhảy), Nghệ sĩ giải trí nắm bắt được tinh thần phấn chấn của thời đại, một thời kỳ mà nhạc ragtime thống trị nền văn hóa đại chúng ở Hoa Kỳ. Nhịp điệu đảo phách và những giai điệu lôi cuốn gợi lên hình ảnh những sảnh khiêu vũ nhộn nhịp và những sân khấu kịch vui, nơi khán giả sẽ thích thú với cá tính sống động và sự quyến rũ của loại hình nghệ thuật này. Về mặt cấu trúc, tác phẩm được triển khai theo một chuỗi các phần tương phản. Mỗi phần đều tràn ngập sự sáng tạo về giai điệu. Việc thay đổi giọng – từ sự tươi sáng của giọng Đô trưởng sang sự ấm áp dịu dàng của giọng Fa trưởng – tăng thêm màu sắc và sự biến đổi, khiến tác phẩm thêm phần hấp dẫn.
Trong bản phối cho dàn nhạc mandolin guitar, Nghệ sĩ giải trí mang một chiều sâu mới. Âm thanh của các dây đàn gảy bắt chước cách phát âm vui nhộn của piano, trong khi kỹ thuật dây tăng thêm chiều sâu và kết cấu, gợi lên "tiếng gảy" sống động của các nhạc cụ có phiến gảy mà Joplin đặc biệt yêu thích. Bản phối này thổi hồn vào tác phẩm cổ điển, thể hiện sự linh hoạt của họ nhạc cụ mandolin và thu hút những người nghe đến với thế giới sôi động của ragtime.
Nghệ sĩ giải trí không chỉ là một tác phẩm giải trí tuyệt vời, mà còn là một biểu tượng văn hóa, một lời nhắc nhở về vai trò quan trọng của ragtime trong việc hình thành nền âm nhạc Mỹ, và là một sự tôn vinh đối với di sản sâu sắc của Joplin. Trong những giai điệu lung linh và nhịp điệu đảo phách tinh nghịch đặc trưng, chúng ta tìm thấy lời tán dương cuộc sống, sự sáng tạo và sức mạnh bền bỉ của âm nhạc trong việc kết nối và nâng cao tinh thần.
MARIO MACIOCCHI (1874–1955)
Ciel de Seville (Bầu trời Seville)
Saigon Mandolin Guitar Orchestra
Mario Maciocchi, một nhà soạn nhạc, nhạc trưởng và nghệ sĩ mandolin tài năng gốc Ý, đã thổi hồn vào các tác phẩm của mình nét quyến rũ trữ tình của chủ nghĩa lãng mạn Ý và sự biểu cảm thanh lịch của truyền thống âm nhạc Pháp. Gia tài âm nhạc đồ sộ của ông – với hơn 800 tác phẩm gốc và bản phối – đã làm phong phú thêm kho tàng dành cho mandolin và dàn nhạc gảy, nhận được sự ngưỡng mộ lâu dài từ cả những nhạc sĩ nghiệp dư lẫn chuyên nghiệp. Trong số những sáng tạo của ông, "Ciel de Séville" (Bầu trời Seville) là một lời ngợi ca rực rỡ dành cho nền văn hóa sôi động và những cảnh quan gợi cảm của Tây Ban Nha.
Là một bản ngẫu hứng, Bầu trời Seville toát lên sự ngẫu hứng và kỹ thuật điêu luyện, vẽ nên những cảnh tượng âm nhạc sống động về thành phố Andalusia. Tác phẩm mở đầu bằng một khúc Andante lento (Chậm rãi, khoan thai), một đoạn nhạc êm đềm và giàu bầu không khí, mời gọi người nghe bước vào một giấc mơ huyền ảo. Nhịp điệu tinh tế và những chỉ dẫn biểu cảm mang đến cho âm nhạc âm hưởng dịu dàng, gần như phiêu diêu. Tuy nhiên, sự tĩnh lặng này nhường chỗ cho năng lượng sôi động khi chuyển sang đoạn Allegro giusto (Nhanh vừa phải), nơi nhịp điệu phấn khích và những giai điệu phức tạp nhảy múa với niềm vui thoải mái.
Chính sự tương phản đã tạo nên linh hồn của tác phẩm. Những khoảnh khắc chuyển tiếp – từ Andante amoroso (Chậm rãi, tha thiết) tràn đầy tình cảm da diết sang những đoạn Energico (Năng động) mãnh liệt – nắm bắt được bản chất đa diện của Seville. Cách sử dụng nhịp điệu tài tình của Maciocchi tạo ra sự lên xuống của cường độ, trong khi sự chuyển đổi giữa các giọng trưởng và thứ mang đến cho âm nhạc cả niềm vui và sự xúc động. Những khoảnh khắc được đánh dấu Grazioso (duyên dáng) và leger (nhẹ nhàng) làm tăng thêm vẻ thanh lịch và dịu dàng cho tác phẩm, gợi lên vẻ duyên dáng của những điệu nhảy Tây Ban Nha dưới bầu trời xanh ngắt của Seville.
Được biểu diễn bởi một dàn nhạc mandolin guitar, Bầu trời Seville đạt được một kết cấu lung linh, với kỹ thuật tremolo (reo dây) và pizzicato (gảy dây) bắt chước tiếng gảy của đàn guitar Tây Ban Nha và tiếng lá cây xào xạc trong làn gió ấm áp. Sự kết hợp của mandolin, mandola, guitar và bass mang đến chiều sâu và sự phong phú cho bức tranh âm thanh gợi cảm này, pha trộn nét duyên dáng lấy cảm hứng từ dân gian với nghệ thuật cổ điển tinh tế.
Thông qua Bầu trời Seville, Maciocchi không chỉ tôn vinh sức hấp dẫn văn hóa của Tây Ban Nha mà còn khẳng định tiềm năng biểu đạt của dàn nhạc mandolin. Âm nhạc của ông, mặc dù bắt nguồn từ trường phái lãng mạn cuối thế kỷ 19 đầu thế kỷ 20, nhưng vẫn đang tiếp tục thu hút khán giả bởi vẻ duyên dáng, đam mê và hình ảnh sống động. Tác phẩm này là một lời tán dương dành cho cả địa danh và nhạc cụ – một bản serenade vượt thời gian dưới bầu trời Seville.
Soạn bởi: Bùi Thảo Hương